Música indígena, Artesanías/Arte Popular: Recobrando la identidad

Es difícil encontrar dos eventos que instalen en la escena “oficial”, la marginalidad de las expresiones artísticas denominadas por la hegemonía decimonónica, “formas folklóricas”, cuya valoración ha devenido luego de la consolidación de las naciones- estados, que una vez instaurado, - gracias al principio de la intolerancia cultural de occidente durante el siglo XIX y XX -. Nos permitan hoy asistir al rescate de lo tradicional. Figura patrimonial o mejor dicho matrimonial, donde la música indígena es salvada del exterminio en pos de la comprensión de nuestra identidad. Frente a este gesto la SCD ha dado un gran paso, hace ya algunos años con el concurso Musica desde este lado del sur , concurso que invita a revisar las formas extintas o no de la música indígena, no tan solo con artistas provenientes de las distintas etnias sobrevivientes, sino con músicos que resemantizan los ritmos y armonías como parte del soporte de su identidad artística.

Periódico de Tela es un conjunto de arpilleras que se encuentran exhibiéndose hoy hasta Diciembre en una de las salas del Museo de la Solidaridad Salvador Allende. El conjunto de arpilleras fueron elaboradas entre 1973 y 1990, y relatan los acontecimientos políticos y sociales sufridos en Chile, desde el Golpe hasta la llegada de la democracia. Esta labor que fue dirigida, concebida y organizado por Isabel Margarita Morel, de acuerdo al catalogo y las palabras inaugurales. Tras esta exhibición hay dos elementos que son importantes de consignar, primero que estas se encuentran ocupando un espacio destinado al arte Moderno, con ello se desplaza el gesto de la costura femenina, que ocupo un espacio intimo a un espacio público y culto, gran salto que es posible por la condición postmoderna de inclusión de discursos, no obstante esta señal se contrapone, en las palabras de quien abiertamente señala, que dirigió su trabajo y labor. Me molesta este caudillaje que le resta autonomía a las arpilleristas, pues me recuerda el paternalismo del “buen salvaje”, situación que encubre la operación hegemónica de la cultura oficial.

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Por qué no te callas!!

Comentario obligado, noviembre del 2007
Es inevitable no hacer un comentario, porque me toca, nos toca a nosotros los latinoamericanos.
No hablo de nosotros -los hijos de criollos los que son parte de las elites oligarquicas, quienes detentan el poder económico. Hablo de los mediopelo, los que tenemos el caracho de indio oculto, los que nos levantamos tempranito a tomar micro, hablo de quienes son y detentan la identidad latinoamericana, y aunque a muchos no les guste Chavéz , sea por los motivos que sea. Chavéz es la raza, es el mediopelo, medio indio, medio afro, medio pobre, es el mejor exponente de quienes somos, en lo profundo y no en la superficialidad de las cifras macroeconomica.Y ese - Por qué no te callas!!- no hace más que reanudar la historia colonial, o mejor dicho neocolonial, en donde su majestad debe ser obedecido, escuchado, venerado, respetado porque es el Rey, el Rey de España, rodeado de sus súbditos, menos de uno , que obviamente fue vilipendiado por los hueros, por los malinches, por los hijos de criollos....por los vendidos de siempre.
Porque no te callas!! parece una frase sacada de una pragmática del siglo XVII , que nos recuerda y nos mete el dedo en la llaga del flagelo de la conquista de América, que les dio autoridad para saquear y eliminar aquellos que no se callaron de norte a sur de nuestro continente.
Su Majestad Por qué nose calla?, recuerde que hay ropa tendida ...

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Eugenio Praz por la Compañia Multinvento

En el Salón Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes,

Desde el 26 de octubre al 16 de diciembre.

No puedo dejar de comentar la obra dirigida por Fernando Meneses y su compañía de Teatro Multinvento, que fue estrenada en la sala de teatro del Museo Nacional de Bellas Artes, aún cuando no sea mi tema.

Primero hay que destacar lo difícil que es hacer teatro y que los intentos por hacerlos siempre son bienvenidos en la escena nacional, lastima que estos intentos se pierdan por: una mala decisión temática, la que pudo haberse desviado en su adaptación del guión del cuento Eugenio Praz y el Inframundo del autor chileno Sergio Gómez publicada por el Grupo Editorial Norma. Un mal guión que trasforma un cuento simple, en una caricatura que se convierte en un pastiche de películas de los 90; que parte con una secuencia de video, excesivamente largo que no aporta nada a la historia, por el contrario nos trae a la cabeza el pasaje de los chicos Trainspotting corriendo por las calles. (de Danny Boyle) Dejándome con la ilusión de otra temática, donde los fantasmas no tienen cabida.

Los personajes son recortados, sin una definición de estilos de actuación, en donde uno puede reconocer la fuente de donde fueron sacados cada uno de ellos o por lo menos con los que uno los asocia directamente, se me vino a la cabeza Matrix de Larry y Andy Wachowski, el Quinto Elemento de Luc Beson (1997), La novia cadáver y Marcianos al ataque, ambas de Tim Burton El problema no es la cita, sino como estos se relacionan, recortes a los que se suma la mala modulación de los actores que termina aburriendo, ya que uno desde la última fila solo termina asociando el gesto, por omisión del dialogo entre ellos.

Los efectos que se generan con el data show son entretenidos y generan la atención del espectador, pero hay excesos que se vuelven redundantes cuando la escena se puede hacer en el escenario, de todas maneras el diseñador genera los ambientes que se proponen para cada escena, la iluminación podría aportar mucho más, aprovechando los efectos. En resumen un enorme trabajo, que le falta autocrítica, pues no hay que subestimar al público escolar -si este pretende ser su nicho- Soy profesora de monos de quince años y una hora y media es difícil de seguir, sea quien sea que este en el escenario.

FICHA TÉCNICA
Compañía: Multinvento
Autor: Sergio Gómez
Director: Fernando Meneses
Elenco: Lindesh Taha - Miguel Cuadra - Alejandra Zarricueta - Maria Elena Ovalle - Adrián Montealegre
Música: Felipe Zuñiga Doctor 800 xl
Sonido: Multinvento
Duración: 1 hora 20 minutos

FONO CONTACTO
Maria Elena Ovalle 09-82246

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Del Papel al Muro: Gesto Gráfico Mexicano

En Galeria Codelco del 24 de noviembre al 20 de Diciembre

El Museo de la Solidaridad Salvador Allende cuenta con una importante colección de gráfica mexicana, que hoy es posible dar a conocer, gracias a la Galería Codelco, entidad que nos ha permitido generar un proyecto de montaje de los grabados de acuerdo a los estándares internacionales de conservación para obras en papel.

Esta colección abierta al público, consiste en poner en escena la importancia del Grabado Mexicano, tanto como gesto artístico que irrumpe en el arte latinoamericano como referente autónomo a las vanguardias europeas de principio de siglo XX; cuyo sentido fue el compromiso político y social hacia la Revolución Mexicana y su proceso de alfabetización artística, la que marca, no tan solo la historia del arte mexicano, sino el arte latinoamericano y sus dinámicas de identidad.

“Del Papel al Muro: Gesto Gráfico Mexicano”, evidencia la importancia del grabado que por su técnica de reproductibilidad, movilidad y fácil acceso a las masa, permitió que el arte se vinculara directamente a la vida cotidiana y sus luchas reivindicativas, convirtiéndose en un medio, donde el “compromiso político – social” son parte de la poética artística de vanguardia, en cuyo desplazamiento hacia el muro, fue solo un cambio de formato y no de sentido.

El Guión de la exhibición tiene como punto inicial la figura de José Guadalupe Posada, artista plástico de la revolución mexicana, al modo de Ingres, en la revolución francesa, quien con su trabajo da inicio a la modernidad artística; ya que en ella se plasman de manera simple y expresiva las aspiraciones, alegrías y temores de las clases populares. En “El Quijote”, (litografía), la imagen popular de la muerte se funde con la imagen del Hidalgo Caballero, quien arremete contra los molinos de viento, bandera de lucha que enarbolará en 1937 el Taller de Grafica Popular, quien recoge de Posada, la ilustración de corridos y periódicos de combate contra la dictadura de Porfirio Díaz; franqueza que se replica en la Carpeta realizada en 1960 “ 146 Estampas de la Lucha del Pueblo de Mexico”, en donde a través de distintos artistas tales como: Jesús Álvarez Amaya, Ángel Bracho , Jesús Escobedo , Pablo O’Higgins, Sarah Jiménez, Mariana Yapolsky entre muchos otros, ponen en cubierta la historia de México, desde la esclavitud de los indígenas por los conquistadores, hasta la nacionalización de la minería en 1960. Este recorrido iconográfico por escenas y personajes, coloca de manifiesto, no tan solo el estilo, sino la historia de México, que por correspondencia, también es nuestra historia.

Bajo esta dirección es entendible que el muralismo mexicano, se convirtiera en un icono, de resistencia y expresión popular, que persiste aún a través de otras manifestaciones artísticas, tan disímiles como el graffiti.

En Chile, el muralismo mexicano, se encuentra ligado, a la figura de David Alfaro Siqueiros, quien realizo tres obras fundamentales que afianzan su relación con Chile: el mural Muerte al invasor, la ilustración del Canto general de Neruda y el cuadro mural Copiapó en la escuela del mismo nombre en Iztapalapa, en Ciudad de México. En el mural Muerte al invasor realizado en la biblioteca de la escuela México en Chillan entre 1941y 1942, Siqueiros irrumpe con un relato histórico, que nos retrotrae a los Talleres de Grafica Popular, pues en el muro convergen la historia de Chile y México. En el Mural Sur que corresponde a la historia de Chile “se observa a Galvarino con los brazos cortados, como la figura principal; emerge de la boca de un cañón lanzando un grito de rebelión y libertad que se expande por toda América, simbolizado por la enorme laringe del plafond. A su lado está la cabeza altiva del escritor e ideólogo chileno Francisco Bilbao”.Esta imagen representada en el muro será trasvasijada nuevamente al grabado "Bilbao y Galvarino", realizado años después en 1946, Litografía que reconquista su origen: la grafica popular mexicana.

A diferencia de la figuración narrativa, cuyo origen es acercar el arte al pueblo, la carpeta Canto General de Siqueiros, realizada en 1968 deja atrás por un momento la figuración, para adentrarse en la expresión de una mancha gestual y telúrica, cercana al expresionismo abstracto. En estas obras el gesto belicoso de los primeros trabajos, queda subyugado a la fuerza del Canto General, el que arremete con la presencia de nuestro continente, razón y motivo, que hoy interpela la condición del arte y su compromiso político/social.

Llamado que se encuentra plasmado en la obra “La mano”, dibujo a carbón que fue donado al MSA, por su viuda Angélica Arenal en 1977. Este dibujo que fue arrancado de su “Cuaderno de dibujo” y que representa su mano, se convierte en un emplazamiento, que revierte las utopías olvidadas; las cuales gracias a esta exhibición es posible revivir, contar y activar. Pues la historia no ha cambiado mucho.

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Reflexiones para una Historia Local e identidad desde el Museo Lircunlauta

Hablar de historia local y de identidad, es hablar sobre nosotros y nuestra historia, la micro historia que se preocupa de personas y agrupaciones que viven en un mismo territorio. Historia que rompe con el paradigma de la Historia económica y política, de los grandes procesos, que dejo fuera la historia oculta de los sujetos históricos comunes, que tienen mucho que aportar para la comprensión de las identidades nacionales, las que durante el siglo XIX y XX, terminaron extinguiendo gran parte de las culturas indígenas sobrevivientes y los modos tradicionales de vida en Latinoamérica.

"La historia local se desprende de una corriente historiográfica que adquirió fuerza en la década de los 70, con el desarrollo de la historia de las mentalidades en Francia, de la historia social marxista en Inglaterra, de la microhistoria en Italia y de la antropología histórica en los Estados Unidos". Esta vuelta a la historia narrativa se enmarca dentro de la Posmodernidad, proceso teórico y cultural, que reniega del gran relato de la historia, evolutiva, progresiva y única con la que se construyó el mito de las historias nacionales.

La historia local, aparece entonces como una forma de rescatar a los sujetos históricos comunes, que habían sido excluidos de la historia oficial, salvando del olvido los procesos individuales y sociales del quehacer cotidiano de una comunidad.

Atendiendo a los cambios de paradigma de la Post modernidad y en relación al proceso de globalización económico y cultural, la construcción de la historia local se ha convertido en una necesidad de diferenciación, en cuyo discurso y producción cultural se depositan, las semillas de identidad regional, con las que se generan posibilidades de desarrollo turístico, cuyo capital fundamental es la identidad local, identidad que debe ser conocida y valorada por los miembros de la comunidad.

Conocer y transmitir nuestra historia local en el currículo escolar es fundamental, porque permite que los alumnos de cualquier grado entiendan “ quienes son, cómo se los define socialmente y cómo es y funciona la sociedad en que viven”. Este habitus designa una manera de ser, una inclinación a actuar de determinada forma, que los diferencia y les entrega un capital cultural que les permite tener una mejor integración social y cultural.

¿Cómo se trasmite la historia local a los niños? Esta se constituye a través de la educación primera, es decir en la educación prebásica, en donde se deben aplicar mecanismos de familiarización, espontanea, implícita o infiltrada en las prácticas sociales en que participa el niño, puesto que de acuerdo al pensamiento concreto de los niños, la experiencia es fundamental para provocar la apropiación de la identidad.

La familiarización con la historia local, significa generar actividades con el habitad en que viven y es en este punto donde el museo se convierte en una herramienta pedagógica implícita, que debe ser programada de acuerdo a los propósitos y necesidades curriculares. Se convierte entonces el objeto patrimonial, en una entrada a la historia local que debe ser enseñada y adquirida por los niños de acuerdo a su proceso cognitivo, con el que conocen el mundo, lo aprehenden y aprenden, es decir en el contacto y trabajo directo con el patrimonio.

Vivenciar la cultura local, es imprescindible para ser ciudadano integrado al mundo, y es en la primera etapa de la educación donde se constituyen los modos de adquisición de la identidad cultural y la competencia cultural, la que permite concebir personas capaces de “posicionarse frente al mundo, frente a los demás, frente a sí mismo y mirar de otras manera la realidad y pensar en el lugar en que cada uno ocupa en ella”.

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Mario Navarro, Red Diamond

La presencia de Mario Navarro inaugurada recientemente en la sala de exhibiciones temporales del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, pone en escena, la otra cara de la UP, que nada tiene que ver con empanadas, charango ni vino tinto, sino por el contrario, el proyecto mas se acerca a las películas de Stanley Kubrick - 2001,odisea al espacio-, proyecto que consistió en implementar un sistema de conexión en red de las empresas estatales, que permitiría la centralización de la información, que como propuesta , obviamente se adelantó a la Internet.

La instalación reproduce a escala el modelo de la central de información, POR FAVOR- no confundir con la CNI- , la que se puede observar al interior de un espacio octogonal a través de unas ventanas, de donde se pueden ver nueve sillones con botoneras y pantallas que se disponen en círculo y que giran como un carrusel. Esta instalación fue exhibida el año pasado en la Bienal de
Sao Paulo y hoy se encuentra formando parte de la exhibición del Museo Salvador Allende, cuyo espacio permite nuevas reflexiones.

Para quienes no saben, el actual edificio en que se emplaza el Museo de Salvador Allende, perteneció a la DINA hasta 1978 - donde los malos se vuelven más malos- , pasando el edificio a la CNI, institución que la convirtió en su casa club, donde los chicos se dedicaban a espiar e intervenir teléfonos, en otras palabras intervenir información. Este sistema diabólico compuesto por cables, empalmes y redes, actualmente se encuentra en el zócalo donde reside la fundación Allende. Zócalo en donde también se instala hoy Red Diamond. Cómo diría mi abuela “Dios los Cría y el Diablo los junta”.

Pero no piensen mal, obviamente son dos objetivos distintos, uno utópico y vanguardista, que se entiende dentro de la concepción inédita de un estado socialista con la estética de Kubrick, que pretendía transformar a una población de australopitecus chilensis, en seres de avanzada, por la razón o la fuerza, que incluía además otras medidas, que intentaban abarcar la esfera completa del ser humano, mientras que los otros abarcaron la esfera completa del ser humano, que llegó a programar hasta la fecha de muerte de muchos.

Ambos aparatos del poder, maquinas endemoniadas, sueños y pesadillas, juntas por primera vez bajo el mismo techo, en dialogo oculto, señalándonos sus cuerpos de control, idea y practica, hipótesis y tesis, ambas desde sus profundos objetivos señalándonos que el poder de izquierda como de derecha, todo lo quiere y todo lo puede.

Segunda
Red Diamond, fue el nombre de la Cutufa inventada por Pinochet para el lavado y transferencia de dineros a bancos Británicos, ¿Por qué este nombre para la instalación?
Para un Allendista de tomo y lomo, que tiene pegado al Chicho en la pieza junto a su morral, podría ofenderse al meter en el mismo saco, un proyecto de vanguardia, con un proyecto de estafa. O podría ser simplemente un juego Parriano, que nunca esta demás en el hogar “la izquierda y la derecha unida jamás serán vencidas”.

Desde el 8 de Abril hasta el 15 de Junio en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende

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Museo de la Solidaridad Salvador Allende en la Galería de Arte de Sesi en Sao Paulo: Estéticas, sueños y utopías de los artistas del mundo por la libertad.

La selección de 130 obras, realizadas por el curador Emanoel Araujopertenecientes al Museo de la Solidaridad Salvador Allende, significo para el equipo del museo una experiencia museológica y museográfica, en donde se debió afrontar decisiones de logística importantes, que por el volumen y la cantidad de obras, conforman una experiencia única en nuestro medio nacional.

La aventura comienza a fines de febrero, con la llegada de Raúl Carvallo, restaurador, enviado por Emanoel Araujo para dirigir el desmontaje de una de las obras más importantes de nuestro acervo: Isfahan de Frank Stella, tela irregular y de gran tamaño, que se encontraba engrapada a su bastidor, cuya forma circular y semicircular, hacia de este desmontaje todo un desafío, tanto por su gran tamaño, como por la decisión de trasladarlo desmontado.

El proceso consistió en descolgarlo, y sostenerlo sobre un soporte para no dejarlo sobre el suelo, posteriormente se puso la tela en el piso y sobre un papel se procedió a dibujar el bastidor, para poder reproducirlo en Sao Paulo, puesto que el bastidor original, de pino oregon se encontraba encolado y unido por tornillos, que impedían desarmarlo.

Una vez dibujado se volvió la tela a su ubicación vertical y se comenzó a desgrapar con una desgrapadora, la tela se encontraba en buenas condiciones generales, propias de un lino grueso, no presentaba rasgaduras en sus dobleces a pesar de no tener orlo. Suelta la tela se puso sobre un papel siliconado y se enrollo sobre un gran tubo de aislapol y posteriormente se guardo sosteniendo solo sus extremos, en un cilindro de gran tamaño. Todo muy simple a primera vista, pero en realidad de alto riesgo para la obra, puesto que todo este movimiento implica para la capa pictórica craqueladuras que pueden llegar a convertirse en faltantes, sin embargo esto no ocurrió, debido al diámetro del tubo de aislapol, al papel siliconado que impidió que la tela se adhiriera y sobre todo a la técnica de la obra, acrílico sobre tela.El embalaje de Frank Stella fue tan impresionante, que el curador de la muestra en algún momento tuvo la idea de exhibir el cilindro doble, situación que no fue posible debido al espacio de la galería SESI.

El diseño museográfico y el guión de la exposición, se encontraba definido espacialmente por dos muros diagonales centrales, dos corredores perimetrales y dos vitrinas enfrentadas, mientras que el espacio de entrada se utilizo como paredes de lectura con dos obras en vitrinas que contextualizaban, el homenaje a Mario Pedroza, teórico brasilero que participo en la formación del museo. Mientras que en su cara frontal a la avenida Paulista , la galería exhibía una gigantografía de la actual fachada del museo en calle Republica y el afiche de la exhibición.

En los muros diagonales se montaron las obras de mayor formato, la obra de Matta 300 x 600, y el textil de Gracia Barrios, recuperado recientemente para al el museo, ambas obras fueron parte de las obras que se encontraban en la UNTACD, en el otro muro diagonal la obra de Frank Stella, montada en un bastidor nuevo realizado a partir del dibujo hecho en Chile. Llama la atención como trabaja el curador en cuanto a la disposición de las obras, ya que deja afuera todo formalismo academicista, que podría agrupar las obras por estilo, al contrario juega con sus formas y estilos, mezclando a Vostell ( del grupo Fluxus) con obras tan disímiles como Carlo Levi, teórico Italiano más bien de carácter expresionista. La libertad de juntar sin miedo, es una apuesta por la lectura de obras de acuerdo a su intensidad emocional, si bien los geométricos y los cinéticos fueron agrupados, los artistas pop y de la nueva figuración compartieron su espacio con artistas abstractos mátericos.

En cuanto a la iluminación no hay miedo, ni prejuicios de resaltar el valor cromático de la obra, encendiendo los colores a través de los equipos de iluminación, que causaban doble efecto sobre la obra, primero el recorte de la luz sobre esta, es decir la iluminación cae sobre la forma de la obra y segundo el uso de lentes de reflexión, que al igual que la óptica de una cámara fotográfica , abre o cierra el diafragma para traspasar la luz, lo que en efecto produce la fluorescencia de los colores. La discusión academicista que la obra debe exponerse tal como es, queda afuera en pos de la teatralidad del espacio y sus actores, en este caso las obras, cuyo dialogo es principalmente su cualidad estética, aún cuando sea imposible desligar de ella por la fuerza de sus motivos su compromiso político particular.

El montaje general de las obras es de 1,50 cms punto centro, con cartelas ubicadas a 1,30 cms, las condiciones ambientales de la galería correspondían a las condiciones ambientales de Chile, humedad entre un rango de 50% y 60 %, con una temperatura de 20 grados, en cuanto a los equipos de iluminación, la cantidad de lux que reciben las telas no superaba los 200 lux, los que eran además difuminados.

La propuesta museográfica de Emanoel Araujo, consistió en articular una colección de carácter político bajo la mirada escenográfica, que permite incorporar la lectura estética y no estilística, de una colección cuya puesta en valor ha sido históricamente denotar el gesto político, en pos de una mirada donde la obra se presenta así misma, libre de sus connotaciones.

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LOS MUSEOS Y LA RESPONSABILIDAD DE GENERAR PUBLICOS

La responsabilidad cultural de los museos es fundamental en la generación de públicos, sino hay políticas que permitan la integración del museo como una herramienta de integración curricular. ¿De qué nos sirve custodiar y preservar el patrimonio? Para qué si un alumno medio en Chile, con suerte sabe su historia y que decir sobre patrimonio artístico. La ignorancia queda expuesta en la ausencia casi generalizada de escolares en el museo, cuya misión muchas veces queda reducida a un paseo donde hay “puras cosas viejas” o “puras rayas”, donde el objeto patrimonial queda reducido a la anécdota, que cambia según el nivel socio-cultural del colegio, donde los guardias terminan acosando y paqueando a los escolares.

Frente a este desconocimiento y desinterés, cuyas culpas se reparten entre el sistema escolar y los museos, con textos interminables y complejos, o museos galerías donde la obra se entiende “por si misma”, o simplemente la falta de integración de los contenidos curriculares con el objeto patrimonial, ha terminado por minar una relación que es fundamental: currículo escolar y patrimonio.

Estas reflexiones surgen entorno a una actividad generada en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende, para el entendimiento del arte moderno, en alumnos de enseñanza media de un colegio politécnico de Recoleta. Colegio en quienes las Artes visuales es solo una asignatura que vivenciaran solo un año, pues en el sistema educacional de los politécnicos, el arte puede llegar a ser solo una nota para subir el promedio.

La experiencia de trabajar con patrimonio y además de ser profesora de aula, me permitieron este año experimentar con la comprensión del arte moderno, desde lo figurativo a lo abstracto, pasando además por el arte conceptual de la instalación …y realmente me sorprendí, puesto que los jóvenes aprenden si le dan la posibilidad y las herramientas conceptuales para su entendimiento. El mérito es para ellos

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